Mary Heilmann, pintora de abstracciones vibrantes y ondulantes, fallece a los 86 años.
Símbolo de los obstáculos a los que se enfrentan las mujeres artistas de su generación, tenía 67 años cuando su primera retrospectiva en un museo se inauguró con gran éxito de crítica en 2007.
The New York Times, Débora Salomón, 15.08.2026
Mary Heilmann, que tenía sesenta y tantos años cuando finalmente alcanzó un amplio reconocimiento por sus pinturas abstractas de colores vibrantes, formas sueltas y a menudo asimétricas, falleció el viernes en Riverhead, Nueva York, en Long Island. Tenía 86 años.
Su fallecimiento, en un hospital, fue confirmado por Liane Thatcher, la representante de su estudio, quien dijo que la causa fueron complicaciones derivadas de una caída reciente.
Las pinturas de la Sra. Heilmann, que se burlaban de la precisión geométrica que preferían sus colegas minimalistas, son fácilmente reconocibles. Era una maestra de la línea ondulada, tomando la cuadrícula rectilínea empleada por artistas desde Piet Mondrian en la década de 1920 hasta Sol LeWitt en la de 1960, y distorsionándola y desestabilizándola. Era como si buscara despojar al Modernismo de sus elevados conceptos y aspiraciones utópicas, y dotarlo de un encanto desenfadado. Algunas de sus pinturas más cautivadoras parecen haber sido realizadas por una artista que hubiera extraviado su escuadra y su regla.
Originalmente formada como ceramista, la Sra. Heilmann prefería los colores brillantes que a veces goteaban y se deslizaban como esmaltes por los lados de una vasija. Su predilección por los rosas y naranjas intensos, con sus connotaciones de gusto adolescente, constituía un sutil desafío a los dogmas viriles del pasado.
«Mary se enfrentó a todas las tonterías machistas de la época con una seguridad imperturbable», declaró en una entrevista la artista Laura Owens, antigua alumna de la Sra. Heilmann. «En una época en la que los pintores se tomaban demasiado en serio su propia importancia, Mary, paradójicamente, apostó aún más por la espontaneidad».
En el mundo del arte, la Sra. Heilmann era un símbolo de los obstáculos profesionales a los que se enfrentaban las artistas de su generación. «Fui una marginada durante mucho tiempo», declaró sin amargura en una entrevista con The New York Times en 2008. Fue entonces cuando estaba a punto de inaugurarse en el New Museum de Nueva York su primera retrospectiva en un museo, modestamente titulada "Mary Heilmann: Ser alguien".
La obra ya se había expuesto en el Museo de Arte del Condado de Orange, en Newport Beach, California, y había cosechado grandes elogios. A sus 67 años, la Sra. Heilmann era reconocida como una gran influencia para artistas prominentes como la Sra. Owens, Jessica Stockholder y Elizabeth Peyton, quienes habían encontrado algo liberador en la deliberada y espontánea ligereza de su sensibilidad.
Ellsworth Kelly, el decano de la pintura abstracta estadounidense de líneas definidas, dijo en aquel entonces: "Siempre he pensado que Mary Heilmann es la mejor de los nuevos artistas abstractos".
Mary Ann Heilmann nació en San Francisco el 3 de enero de 1940 y creció en una familia católica irlandesa muy religiosa. Su madre, Mary Florence Webb, era enfermera. Su padre, John Sherman Heilmann, era ingeniero civil y trabajaba principalmente en la construcción de carreteras.
Cuando tenía siete años, su padre consiguió un trabajo construyendo autopistas y la familia se mudó a El Segundo, un pueblo costero al sur de Los Ángeles. Vivían en un bungalow cerca de la playa, y la Sra. Heilmann más tarde recordó la emoción de deslizarse por las dunas de arena y nadar en el océano.
A los 12 años, comenzó a entrenar como nadadora y clavadista de competición, viajando una hora en autobús hasta el Club Atlético de Los Ángeles todos los días después de la escuela. Menos de un año después, todo eso terminó abruptamente cuando su padre murió de cáncer de colon y su madre trasladó a la familia de regreso a San Francisco. Estudió en la Universidad de California, Santa Bárbara, donde se especializó en literatura inglesa. Su temprana afición por modelar cerámica en el torno la llevó a realizar estudios de posgrado en la Universidad de California, Berkeley, donde estudió cerámica y escultura con Peter Voulkos, un reconocido artista que creía en someter la arcilla a la teatralidad del expresionismo abstracto.
Como Heilmann recordó más tarde, al Sr. Voulkos le gustaba cruzar el aula con una olla casera en la mano y luego tropezar (o, como ella decía, "fingir un tropiezo"), haciendo que la olla se rompiera contra el suelo. Recogía los trozos rotos y los ensamblaba para crear una escultura sorprendentemente interesante.
Las primeras esculturas de la Sra. Heilmann, que consistían en objetos de aspecto tosco construidos con materiales baratos de tiendas de manualidades como arcilla plástica, papel de aluminio, bolas de algodón, bambú y purpurina, también buscaban poner de relieve el proceso de su creación.
En 1968, tras obtener una maestría en Berkeley, partió hacia Nueva York con la intención de hacerse un nombre como escultora.
Para entonces, Richard Serra, amigo suyo del instituto, vivía en Manhattan y se había labrado una reputación en el circuito underground por sus "esculturas de salpicaduras", que creaba lanzando plomo fundido. Llevó a la Sra. Heilmann a Max's Kansas City, por aquel entonces un lugar de encuentro popular para artistas. En la trastienda, bajo la tenue luz roja que emitía un tubo fluorescente de Dan Flavin, entabló amistad con un círculo que incluía a Robert Smithson, John Duff y Carl Andre, escultores que insistían en que la pintura estaba muerta.
Heilmann estaba de acuerdo con ellos. Pero en aquella época, las escultoras tenían grandes dificultades para iniciar sus carreras. De los 22 artistas que participaron en la emblemática exposición de 1969 del Museo Whitney de Arte Estadounidense, «Anti-Ilusión: Procedimientos/Materiales», 20 eran hombres. Quedó devastada cuando no fue seleccionada para esa exposición ni para otras importantes muestras colectivas. Con la esperanza de minimizar las pérdidas, abandonó la escultura y se dedicó a la pintura.
Parecía una decisión temeraria. Para empezar, no tenía formación académica en pintura; además, ¿qué escultora que se precie lo deja todo a los 30 años? Pero le complacía precisamente la audacia de su acto.
En aquel entonces, se ganaba la vida dando clases en la Universidad Estatal de Nueva York en Stony Brook, y reconocía que sus alumnos —así como otros mucho más jóvenes a los que había enseñado anteriormente— le habían proporcionado ideas para sus pinturas. Por ejemplo, en "Little 9 x 9" (1973) , añadió una cuadrícula asimétrica a un lienzo mayoritariamente rojo retirando el pigmento con los dedos, una técnica generalmente conocida como pintura con los dedos.
A medida que su estilo evolucionaba, conservaba su aura de desenfado y alegría. En 1979, tras incorporarse a la prestigiosa galería Holly Solomon en SoHo, la Sra. Heilmann expuso una serie de pinturas de rectángulos en rosa y negro, una combinación de colores deliberadamente empalagosa que recordaba a los dulces Good & Plenty.
Los críticos no supieron interpretar estas obras. La Sra. Heilmann se sintió profundamente herida por una reseña publicada en The Village Voice, quizás porque la escribió una crítica. Kay Larsen, molesta por la aparente indiferencia de las pinturas rosas y negras, concluyó que les vendría bien un poco más de fuerza. Escribió, "no ha estado haciendo sus flexiones".
En 1986, la Sra. Heilmann fue en bicicleta a la Avenida B en East Village para visitar la relativamente nueva Galería Pat Hearn, "una galería de pintura poderosa y radical", como la describió en sus memorias de 1999, "The All Night Movie". Con la ayuda de su amigo Ross Bleckner, quien exponía allí, la Sra. Heilmann se unió a la galería. En la década siguiente, se ganó un público fiel, especialmente entre los artistas más jóvenes que buscaban una alternativa a los excesos del panorama artístico de los años 80, esa época de consumismo desenfrenado dominada por el estilo pomposo del neoexpresionismo.
Además de sus pinturas, la Sra. Heilmann obtuvo reconocimiento por sus sillas cuadradas de madera contrachapada, que comenzó a fabricar en 2002. Si bien guardaban cierta influencia del mobiliario geométrico de Donald Judd, también ofrecían una crítica a su minimalismo austero.
“Las sillas de Judd no eran muy cómodas, pero las mías sí”, declaró a Vogue. De hecho, sus sillas suelen tener asientos y respaldos de malla hechos con tiras de polipropileno, muy parecidas a las clásicas sillas de jardín de aluminio.
La Sra. Heilmann se mostró encantada cuando 45 de sus sillas —fabricadas para la ocasión con madera contrachapada marina resistente a la intemperie y pintadas en tonos pastel de amarillo limón y rojo cereza— se instalaron en 2015 en una terraza al aire libre para ayudar a inaugurar el nuevo edificio del Whitney en el Meatpacking District. Una década después, las sillas reaparecieron en el museo, esta vez en el interior, en una galería con vistas al río Hudson. La exposición se tituló «Long Line», en referencia a una pintura de Heilmann de 2020 que fue ampliada y reproducida de forma espectacular en las paredes de la sala; sus franjas alternas de color turquesa y blanco evocaban las olas del océano de su infancia. La muestra cerró el 19 de enero. Cuando le preguntaron una vez cómo se le ocurrían las ideas para sus pinturas, respondió con su habitual sencillez: "Principalmente, solo pienso. Mucho es soñar despierta. Mucho es sentarme a contemplar".
La Sra. Heilmann nunca se casó y no deja familiares directos. Solía describir su vida como una cruzada solitaria en busca de la realización artística. “No quería mudarme a las afueras, formar una familia y cuidar de los niños, del marido y todo eso”, dijo en una entrevista de 1999 con el Sr. Bleckner para la revista Bomb. “Probablemente se deba a mi educación católica”, añadió. La Sra. Heilmann comentó que, en su juventud, le encantaba leer sobre la vida de los santos porque “en sus historias no había nadie más que ellos y Dios, y eso fue un ejemplo para mí”.
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